слайд 1

Беспредельный космос живописи

слайд 2
Русский музей – первый в стране государственный музей русского изобразительного искусства, основан в 1895 году в Санкт-Петербурге, торжественно открылся для посетителей – 19 марта 1898 года. В 2013 году исполняется 115 лет со дня его открытия.

слайд 3
Идея организации государственного музея национального искусства высказывалась и обсуждалась в образованной среде русского общества с середины XIX века. По свидетельству одного из современников, императором Александром III была высказана мысль — основать всенародный музей, в котором сосредоточивались бы все лучшие произведения русского искусства. Осуществил задуманное отцом молодой император Николай II, подписав указ «Об учреждении особого установления под названием „Русского Музея Императора Александра III“ и о представлении для сей цели приобретенного в казну Михайловского Дворца со всеми принадлежащими к нему флигелями, службами и садом.

слайд 4
К музейному комплексу, помимо Михайловского дворца с корпусом Бенуа, также относятся Мраморный и Строгановский дворцы, Михайловский (Инженерный) замок, а также уникальные садово-парковые ансамбли – Летний сад с Летним дворцом Петра I и Михайловский сад.

Собрание музея в день открытия насчитывало 1880 произведений. В настоящее время коллекция Русского музея насчитывает более 400 000 экспонатов и охватывает все исторические периоды и тенденции развития русского искусства, все его основные виды и жанры, направления и школы более чем за 1 000 лет: с Х по ХХI век.

слайд 5
Здесь находятся такие шедевры живописи, как «Последний день Помпеи» Карла Брюллова, «Девятый вал» Ивана Айвазовского, «Демон летящий» Константина Врубеля и мн. другие.

Сегодня речь пойдет об искусстве, которое покажется вам необычным, возможно, совершенно непонятным. Но будем помнить о том, что любое восприятие явления искусства требует работы души и ума. Нам предстоит оказаться в начале 20 столетия и вместе постараться понять это сложное, но интересное и самобытное явление – русский авангард.

В переводе с французского авангард означает «передовой», буквально – «передовой отряд». Но заметьте, что такое название как «авангард» применимо только к искусству 20 века. В предыдущие столетия художников можно отнести к первооткрывателям, реформаторам живописи, но не авангардистам. Дело в том, что авангард это не просто новые художественные методы отражения мира, а о создании новой реальности.

слайд 6
Итак, 20 век. Век, когда в искусстве существует множество художественных стилей – модерн, лубок, примитивизм, футуризм. В сумерках декаданса нарождается новый живописный стиль – авангард.

Не будет преувеличением сказать, что в начале 20 века Россия являлась «законодательницей мод» на арене авангардной живописи. Наши «левые» представили миру ряд интереснейших произведений. Искусство русского авангарда 1917 – 1920-х годов было не только предвестием и порождением революции. Оно само было революцией – именно так понимали свою миссию художники.

Первое послереволюционное десятилетие – это время катаклизмов и революционных преобразований влечет художников к новым творческим исканиям и экспериментам. Различные течения авангардной живописи – абстракционизм, супрематизм, футуризм, конструктивизм и другие течения делали картину художественной жизни очень яркой.

Для изобразительного искусства первые послеоктябрьские годы были периодом нарастающего подъема, оживления, чему немало способствовала официальная государственная политика. В Петрограде создавалась новая художественная школа. 12 апреля 1918 года В. И. Ленин подписал декрет об упразднении Академии художеств, а 10 октября 1918 года состоялось торжественное открытие созданных на его месте Свободных Государственных Мастерских. Преподавателями здесь были в основном художники-авангардисты.

слайд 7
Новой революционной власти требовалось новое революционное искусство. Но искания авангардистов оказались далеки от идеологических запросов власти. Социалистическое государство ожидало от художников не утопических альтернатив, но служения «общему партийному делу», пропаганды, понятной всем слоям населения. И уже к середине 20-х годов беспредметность воспринималась однозначно: как опасное противостояние господствующему порядку жизни.

Осенью 1932 и в 1933 годах развертывается широковещательная кампания идеологической обработки всех действующих художественных школ. Эти меры практически были заявлением власти о единственно верном искусстве – реализме, в результате чего русский авангард оказался на нелегальном положении и был полностью вытеснен из художественной жизни. Художники-авангардисты подвергались гонениям, и вынуждены были либо эмигрировать, либо, не вступая в конфликт с властью, искать себя в новых областях, близких к изобразительному искусству (фотографии, оформлении книг и т.д.). Судьбы художников русского авангарда необычны, а нередко и трагичны.

Сегодня мы расскажем вам о двух представителях русского авангарда, картины которых находятся в Русском музее.
«Я сразу смазал карту будня,
плеснувши краску из стакана.
Я показал на блюде
студня косые скулы океана.
На чешуе жестяной рыбы
прочел я зовы новых губ.
А вы
ноктюрн сыграть
могли бы
на флейте водосточных труб?
»
В.Маяковский.

слайд 8
Средством преобразования мира видит свое искусство Казимир Малевич, внесший огромный вклад в историю русского авангарда, основатель собственной теории супрематизма. Русский музей славится тем, что в нем находиться наибольшая коллекция картин Казимира Малевича – более 100 живописных и 40 графических его работ.

слайд 9
Казимир Малевич родился 11 февраля 1878 года (в этом году 135 лет со дня его рождения) на окраине Киева, в многодетной польской семье. Отец будущего художника – Северин Антонович служил управляющим одного из сахароваренных заводов. Мать – Людвига Александровна – домохозяйка, родившая 14 детей, слыла натурой незаурядной. Она писала стихи на польском языке, прекрасно вышивала и плела изумительные кружева. В связи со службой отца семья часто переезжала с места на место. Из Киева они переселились в село Пархомовка, где Казимир Малевич окончил пятиклассное агрономическое училище. Надо признаться, что это единственное учебное заведение, которое он окончил. Здесь же произошла первая встреча юноши с настоящими художниками, которые приехали из Петербурга для писания икон в местном соборе.

Отец художника мечтал приобщить сына к наследственной профессии и не одобрял интереса Казимира к искусству. «…Отец говорил мне, что жизнь художников плоха и большая часть их сидит в тюрьмах, чего он не хотел для своего сына»,- писал художник в своих воспоминаниях. Однако Людвига Александровна имела свое мнение о творческой деятельности. Во время очередного визита в Киев она приобрела для сына роскошный, дорогостоящий набор красок, чем и решила его судьбу.

Когда в 1886 году семья поселилась в Курске, Малевич организовал кружок любителей искусства и мастерскую. Ранние произведения мастера демонстрируют безусловный интерес к импрессионизму. Но через импрессионистские симпатии пробивается свое видение мира, более яркое, декоративное и эмоционально насыщенное.

слайд 10
В 1904 году, скопив немного денег, Малевич решился на поездку в Москву в надежде получить художественное образование. К сожалению, как и многие крупные мастера авангарда, он не получил художественного систематического образования. Помимо увлечения импрессионизмом, в своих творческих исканиях Малевич работал в таких стилях как примитивизм, футуризм, в сугубо отечественном направлении – кубофутуризм. Целью кубистических упражнений Малевича являлся новый порядок вещей, новых абстрактных форм. Он осознавал пространство как взаимосвязь линий и плоскостей, квадратных и кубических уравнений.

Как известно, бурная, насыщенная событиями жизнь художника сопровождалась нищетой и хроническим безденежьем. Часто Малевичу не хватало денег даже на холст, и тогда «в дело» употреблялась мебель.

слайд 11
Три великолепные картины – «Станция без остановки. Кунцево» (1913), «Туалетная шкатулка» (1913), «Корова и скрипка» (1913) – написаны на деревянных полках этажерки с дырочками от стоек.

Следующим этапом наступления на привычный порядок вещей была театральная постановка в Петербурге оперы «Победа над Солнцем». От этого полунаивного, полуциничного спектакля протянулась нить к одному из самых ярких явлений в искусстве 20 века – супрематизму Малевича, когда художнику удалось совершить подлинную революцию пространственно-символического восприятия мира. Работая над декорациями к этой опере в 1913 году, Малевич нашел оптимальную пластическую формулу для воплощения идеи торжества нового над старым, идеи над материей.

слайд 12
Самая знаменитая картина художника – «Черный квадрат», выражающий конец искусства прошлого, то есть искусства как такового, является своего рода иконой в искусстве авангарда. На выставке «0,10», где он был впервые представлен, Малевич сам поместил его в Красном углу именно так, как в старину вешались иконы, тем самым, подчеркивая связь с древним прошлым.

Слово «супрематизм» означает превосходство и основывается на том, что художник может использовать в живописи чистые цвета и простейшие формы, не используя предметы. «Черный квадрат» – первый знак новой теории Малевича чистого цвета и нового мышления. «Квадрат» – символ Земли и всего земного. Черный цвет – черная дыра, поглощающая цвет. Вглядитесь внимательно. Кажется, что «Черный квадрат» выводит наше сознание в пространство иного измерения, вглубь. В неведомое, в сокрытое. Кажется, что тайная энергетика исходит от черного квадрата. Возможно, кто – то подумает, что не надо иметь много фантазии, чтобы написать черный квадрат. Ну что же, попытайтесь, но только так, чтобы на него смотрел весь мир, и многие что-то открывали в нем для себя.

Из «Черного квадрата» родились и другие супрематические формы. Легкие, невесомые, написанные чистыми и локальными красками, геометрические фигуры парили в белом, бездонном космическом пространстве, где властвуют законы динамики и статики. « …Меня переносит в бездонную пустыню, где ощущаешь творчески пункты Вселенной кругом себя», – писал художник.

слайд 13
Супрематизм Малевича проходит три стадии развития: период черного, цветного и белого. Черный этап начинался с трех форм: квадрата, креста и круга. Малевич создал серии квадратов – черного, красного и белого. Каждый цвет имеет свою символику. Черный – сокрытие цвета, белый – откровение цвета, красный – торжество цвета. Три квадрата указывают путь, а белый квадрат несет мир, утверждая знак чистоты человеческой творческой жизни. В конце концов, в супрематизме остались лишь динамические цветовые ощущения, передаваемые через геометрические формы. Свободное парение в пространстве – это картина мира в супрематизме.

С 1922 года Малевич переезжает в Петроград, где занимает немалые официальные посты. Он был членом художественной коллегии ИЗО Наркомпроса и членом международного бюро Наркомпроса. В 1923 году художник стал директором Института исследований культуры современного искусства, а с 1924 по 1926 годы являлся руководителем Института художественной культуры. Этот послужной список можно продолжить, но куда интереснее вспомнить запись середины 20-х годов: «Коммунизм есть сплошная вражда и нарушение покоя, ибо стремится подчинить себе всякую мысль и уничтожить ее. Еще ни одно рабство не знало того рабства, которое несет коммунизм…»

Официальное признание и высокие посты художника не помешали его аресту осенью 1930 года, Малевич какое-то время проводит в тюрьме, подвергается допросам, а его друзья из предосторожности сжигают большое количество рукописей и картин. Хотя арест длился недолго, стала очевидна шаткость его положения в большевистской России. Ощущение законченности в живописи, невосполнимой пустоты постигли Казимира Малевича в 1932 г. Это был своеобразный переворот в его работе, переворот в его сознании. Наступала эпоха тоталитаризма, где не было места таким, как он.

слайд 14
Малевич возвращается к работе с портретами. Он пишет автопортрет, изображая себя – эта работа 1933 г. стала одной из последних картин художника. В 1935 году после продолжительной болезни художник скончался, а его работы не показывались в СССР до 1962 года.

В мае 1935 года по Невскому проспекту проследовало траурное шествие: на открытой платформе грузовика с Черным квадратом на капоте был установлен супрематический саркофаг. Процессия направлялась к Московскому вокзалу; гроб с телом был перевезен в Москву, и после кремации урну с прахом захоронили на поле под дубом возле деревни Немчиновка. Во время войны могила Казимира Малевича была утрачена. Памятный знак был восстановлен на опушке леса, окаймляющего поле, в 1988 году.

слайд 15
Работы Малевича были переданы в Русский музей его матерью, вдовой и дочерью через год после смерти мастера, в марте 1936 г. 86 живописных картин и 8 рисунков готовились быть увиденными, но уже в июле их приказали убрать из выставочных залов, как яркое свидетельство его творчества, его жизни. Холсты были “похоронены заживо” в запасниках Русского музея.

слайд 16
Казимира Малевича не стало в 1935 г., но только лишь в 1988 г. состоялась его первая выставка, объединяющая его работы, разбросанные по всему свету (США, Голландия, Россия, Германия). За этой выставкой последователи другие, но Малевич оставался и остается неизученным, непостижимым, нереальным. В этом его главная заслуга – оставаться простым, но недосягаемым.

слайд 17
Его называли «великим», «величайшим», «смутьяном холста» и «очевидцем незримого». В автобиографии 1929 года он сказал о себе суше и точнее всех: «Филонов Павел Николаевич, художник-исследователь…». Почти невозможно теперь соединить распавшиеся за долгие годы забвения отдельные части его образа, что-то утрачено, что-то забыто, где-то легенда подменила правду. Но чем сложнее путь к художнику, тем сильнее желание понять его жизнь, мысль и творчество.

Рассказывать о Павле Филонове непросто, но интересно. Даже на фоне чрезвычайно разнообразного и могучего русского авангарда начала ХХ века Филонов умудрился выделиться и занять совершенно особое место. Начнем мы, впрочем, с вещей простых …

слайд 18
Павел Николаевич Филонов родился в 1883 году в Москве, в многодетной семье (5 детей) рязанских мещан Николая Иванова, бывшего дворового графа Головина, и его законной супруги, Любови Николаевны, бывшей намного его моложе. Фамилия «Филонов» была закреплена за ними только после 1880 года. Местом своего рождения Павел Николаевич считал Москву, где он жил до четырнадцати лет. После смерти отца семья бедствовала, и занятия танцами на сценах московских театров приносили Павлу заработок с четырех лет. С 6 до 11 лет он был танцором кордебалета, так же для заработка вышивал вместе с сестрами.

Танцевальная выучка приучила Филонова с раннего возраста к самоограничению, требовательности к себе и высокой работоспособности, от природы он был наделен редкой остротой зрения и развитой интуицией. По свидетельству его родных, в молодости он усилием воли заставил себя оглохнуть и с трудом вернул себе слух.

После смерти матери семья переезжает в Петербург и в 1897 году Филонов поступил в живописно-малярные мастерские, по окончании которых работал «по малярно-живописному делу». Параллельно, с 1898 года он посещал вечерние рисовальные классы Общества поощрения художеств.

Завершив занятия в частной мастерской, Филонов пытался трижды поступить в Петербургскую Академию художеств; в 1908 г. был принят вольнослушателем в школу при Академии художеств, из которой он «добровольно вышел» в 1910 г.

слайд 19
К зиме 1910 г была написана «первая картина» (по утверждению самого художника) — «Головы». К этому периоду относятся, также многочисленные работы на бумаге и картоне, которые он называет «формулами»: формула цветка, городового, пролетариата и т. п. Художник совершает поездки по Италии, Франции и в 1913 г пишет декорации для постановки трагедии В.Маяковского «Владимир Маяковский» в театре петербургского Луна-парка.

В 1912 Филонов написал статью «Канон и закон», в которой выступил против кубизма и кубофутуризма — самых новых течений в то время в европейском искусстве. В этот период складывались основные темы и образы, которые затем прошли через все творчество Филонова.

слайд 20
Одна из таких тем — тема современного города. Для мастера город — источник зла, убивающий человека физически и духовно, олицетворение мирового зла, уничтожающего все гуманное, доброе в людях («ПИР КОРОЛЕЙ», 1913, ГРМ). В эти же годы художник создал свою социально-художественную утопию о братской, справедливой жизни людей на Земле — цикл «Ввод в мировой расцвет» («ЦВЕТЫ МИРОВОГО РАСЦВЕТА», 1915, ГРМ).

В 1916-м году Филонов был мобилизован на Румынский фронт рядовым в Балтийскую морскую дивизию. Его избрали председателем Солдатского съезда, а затем председателем исполнительного военно-революционного комитета. После возвращения с фронта в 1918 Филонов активно включился в художественную жизнь Петрограда.

Еще до призыва на фронт художник сделал первую попытку теоретически обосновать свои взгляды и объединит в сторонников нового направления — аналитического искусства. Он выпустил манифест «Интимная мастерская живописцев и рисовальщиков». В довоенные годы постепенно складывался образ «аналитической картины».

слайд 21
Работы этого периода несут в себе черты архаики, близки традициям примитивизма – «КРЕСТЬЯНСКАЯ СЕМЬЯ (СВЯТОЕ СЕМЕЙСТВО)» (1914, ГРМ). Укрупненные фигуры главных героев окружены условным пейзажем, декоративно-яркими цветами и травами. Художественная структура напоминает мозаику, изображения кажутся сложенными из мелких абстрактных деталей.

В 1919 Филонов участвовал в Первой государственной свободной выставке, открывшейся в Зимнем дворце. Он экспонировал цикл картин «Ввод в мировой расцвет». В 1923 художник участвовал в организации в Петрограде Института художественной культуры вместе с К.С. Малевичем и другими художниками.

слайд 22
В это время был создан цикл работ о гражданской войне, революции, пролетариате: «ФОРМУЛА ПЕТРОГРАДСКОГО ПРОЛЕТАРИАТА» (1920-1921, ГРМ), «ФОРМУЛА ИМПЕРИАЛИЗМА» (1925), «ФОРМУЛА РЕВОЛЮЦИИ» (1920-е, ГРМ). Названные работы по сути своей пропагандистские. Советские лозунги, новая идеология трактуются Филоновым как абстрактные картины революционного преобразования мира.

1920-1930-е – время расцвета аналитического искусства. По мнению Филонова, новое направление преодолевало неподвижность геометрических форм кубизма. Мир есть движение, и аналитическое искусство передает формы предметов в состоянии «органического роста». Формы состоят из «атомов и молекул», и живопись должна это передать. Процесс создания картины Филонов называл «сделанностью». Согласно теории художника, человек обладает двумя формами зрения. «Глаз видящий» воспринимает лишь внешнюю форму, а «глаз знающий»- наполняет ее внутренним движением атомов. Свою позицию он изложил в «Декларации Мирового расцвета» – программном документе сторонников аналитического искусства.

слайд 23
В 1927 было создано общество «Мастера аналитического искусства» (МАИ). У Филонова в Ленинграде была самая многочисленная школа учеников и приверженцев. Он вел занятия в Академии художеств. Такой школы не было ни у одного из мастеров авангарда. Сам Филонов не принимает заказов и преподаёт бесплатно; он получает изредка пенсию, как «научный работник 3-го разряда».

В 1929 должна была состояться выставка Филонова в Русском музее, но она была запрещена. Началась травля художника, что привело к разгрому МАИ. Художника обвиняли в «контрреволюционной» тяге к сложному, непонятному искусству. Он был лишен работы и средств к существованию, страшно бедствовал, но продолжал творить. Филонов не продавал своих картин. Он хотел их подарить государству, чтобы «из них был сделан музей аналитического искусства».

слайд 24
Когда безденежье достигало каких-то уж совсем безнадежных пределов, нужно было лечить жену, он вспоминал свое первое образование – малярно-художественное, и брался за любую работу кистью. Вроде создания списка жильцов для жилтоварищества или брал оформленные на пасынка госзаказы, такие как Портрет Сталина или «Тракторный цех».

Когда в 1941 году началась Великая Отечественная война, основной заботой Филонова было сохранение своих работ, хранившихся в мастерской на чердаке. Он постоянно по ночам дежурил на крыше, ведь Ленинград бомбили зажигательными бомбами.

слайд 25
Павел Филонов умер от голода и болезней в блокадном Ленинграде 3 декабря 1941 года; похоронен на Серафимовском кладбище. Его сестра, Евдокия Николаевна Глебова, спасла работы, хранила их все годы забвения и запретов, а затем согласно воле брата, подарила Русскому музею.

слайд 26
Первая большая персональная выставка работ Павла Филонова состоялась в 1988 г. в Русском музее Санкт-Петербурга. После выставки художника в музее центра Ж. Помпиду в Париже, в начале 1990 гг. Филонов получает признание, как один из классиков искусства XX века. На этой же выставке выяснилось, что шесть экспонируемых рисунков Филонова были украдены из Русского музея, но их вернули. Художник принципиально не продавал своих работ за рубеж, поэтому практически всё его наследие хранится в Русском музее.

В рамках своей художественной концепции Павел Филонов считал, что его «вещи являются самым интересным моментом во всем мировом искусстве». А еще он говорил, что делает искусство, которому придут «поклонятся все народы человечества».

Мы сегодня рассказали вам только о некоторых представителях русского авангарда, но их было очень много в самые разные периоды истории нашей станы в 20 – 21 веке. Судьба этого течения в искусстве сложна и трагична. Власти это искусство не нужно, поскольку не всем понятно. До 70-х годов в России это искусство вообще не признавалось.

Но традиции русского авангарда продолжают жить и сегодня. Его история еще не написана и не закончена. И может быть, кто-то из вас в будущем продолжит историю русского авангарда.

—–
Скачать презентация можно здесь
Размер файла: 5,17 Мб. Формат: .zip (.ppt)